Ir al contenido principal

Sorolla. Un jardín para pintar

Joaquín Sorolla, El jardín de la casa de Sorolla, hacia 1919. Museo Sorolla

El tratamiento del espacio exterior como animado albergue de fenómenos de luz y color es un asunto que Joaquín Sorolla (Valencia, 1863-Madrid, 1923) desarrolló magistralmente a lo largo de su pintura de paisajes. A ello contribuyeron las condiciones lumínicas de una ciudad como Valencia y el efecto reflectante con que el mar Mediterráneo influye en la percepción de las formas. Pero sobre todo, fue la aguda capacidad de observación de Sorolla y una extraordinaria sensibilidad lo que le permitieron hacer de lo mirado un trasunto poético de la contemplación. Esa dimensión del ser que mira y relata lo natural explicaría que al concebir el espacio de su vivienda familiar y taller, Sorolla diera singular importancia al jardín, tal vez como insistente prolongación de la felicidad arcádica de sus pinturas. Este tema que en un principio parece pertenecer más al ámbito de la arquitectura, fue un motivo recurrente en la obra del artista valenciano y en él se detiene la exposición “Sorolla. Un jardín para pintar” que presenta el Centro Cultural Bancaja.

Enfocada en una faceta poco conocida de Sorolla, propia de una reflexión creadora más personal, la exposición se centra en el estudio de los cuatro espacios que conforman el jardín que el artista ideó para su vivienda y taller, realizada en Madrid entre 1909 y 1911, según proyecto del arquitecto Enrique María de Repullés y Vargas. Para esta ocasión se han reunido más de un centenar de obras entre pinturas, bocetos, dibujos, esculturas, azulejos y fotografías procedentes en su mayoría del Museo Sorolla, así como de otras colecciones como Fundación BancajaMuseo de Bellas Artes de ValenciaAyuntamiento de ValenciaMuseo Carmen Thyssen de MálagaHispanic Society of America y coleccionistas privados.

La exposición asume el jardín de la residencia de Sorolla a partir de un enfoque histórico, donde las fotografías, cartas, planos, elementos ornamentales y por supuesto las propias pinturas dan cuenta de la investigación, reflexión y estudio que acompañó la realización de este enclave vegetal. En este sentido, destacan en la muestra tres vertientes de recorrido que proponen el jardín como espacio de la intimidad familiar, como desencadenante del disfrute estético y como motivo de la creación artística. En esa visión se mantiene como una constante la inspiración andaluza seguida por el artista para el diseño de estos jardines, que lo condujo a copiar ciertos espacios de patios granadinos y sevillanos, y hasta incorporar con pasión de coleccionista, azulejos, elementos arquitectónicos y árboles, en su mayoría reminiscentes del sur de España. A ello se suma la consideración de las plantas desde su importancia botánica pero también desde el efecto cromático que podían ejercer en el espacio de la vivienda y en su equivalente en pintura. Finalmente, la muestra se complementa con una selección de pinturas donde el jardín valenciano tiene especial presencia, así como con varios ejemplares de azulejos provenientes de la población de Manises.

Este proyecto ofrece una magnífica oportunidad de internarse en el universo lumínico de Sorolla a través de una faceta más íntima de su trayectoria como pintor y como hombre, en un espacio que para él fue propicio no solo para el deleite estético, la vida familiar y el encuentro social, sino también porque aquel reducto madrileño, hoy sede del Museo Sorolla, fue testigo de sus últimas obras.

"Sorolla. Un jardín para pintar". Del 7 de noviembre de 2017 al 19 de marzo de 2018. Centro Cultural Bancaja. Comisariado: Consuelo Luca de Tena. Co-comisariado: María López y Ana Luengo. Más información y horarios en www.fundacionbancaja.es


Tambien te puede interesar (enlaces patrocinados):
Consuelo Luca de Tena (2017). Sorolla. Un jardín para pintar. El Viso.

Blanca Pons-Sorolla (2015). Sorolla. Obras maestras. El Viso.

Comentarios

lo más visto

El arte comprometido de Isabel Oliver

Isabel Oliver (Valencia, 1946) inicia su carrera artística en la década del setenta, en la vertiente figurativa española que aunaba el pop art y la crítica social. Ese contacto con la realidad se vio marcado por una preocupación feminista que reveló en su pintura situaciones incómodas acerca del lugar de la mujer en la sociedad. Son ideas que se aprecian en su serie titulada precisamente “La mujer”, con que evidencia además el vacío que sus colegas de generación hicieron con frecuencia en torno a este tema.


El juego para entender el funcionamiento de la sociedad El empeño crítico continúa en series como “El juego”, mediante la que plantea revisar los códigos del comportamiento ciudadano. Por esta vía, la artista atiende a las circunstancias políticas de la sociedad española de mediados de los setenta. Visto en un contexto más amplio, la serie permite seguir revisando las condiciones generales del juego como un mecanismo que incide en la vida en comunidad.


Un paisaje pop El empleo del…

Fotografía japonesa en torno a Provoke

Provoke fue una revista de fotografía editada en Japón entre 1968 y 1970, período en que sus organizadores sólo llegaron a publicar tres números. Fue fundada por Takuma Nakahira y Koji Taki, junto con Takahiko Okada, Yutaka Takanashi.  A partir del segundo número contó con la participación de Daido Moriyama.

La aparición de la revista significó una sacudida en el campo de la fotografía, en especial porque asumieron su práctica como la búsqueda y ejercicio de un lenguaje alternativo.

Provoke y la búsqueda de un lenguaje alternativo Provoke es la consecuencia de un proceso de transformación del lenguaje fotográfico que se inicia en Japón a finales de los cincuenta y alcanza hasta principios de los setenta del siglo XX. Esta transformación estuvo motivada por los cambios económicos, sociales y culturales que ocurrieron en Japón luego de la rendición y posterior ocupación estadounidense.

Una primera manifestación de estos cambios en la fotografía nipona se produjo en 1957 con la exposici…

Xu Bing: el poder de las palabras

Xu Bing(Chongqing, China, 1955) es un artista con una destacada trayectoria en la instalación, la caligrafía y la impresión. A través de estos medios se ha concentrado en estudiar principalmente la dimensión política de las palabras y los textos. Su condición de artista contemporáneo de una nación no occidental como China lo ha llevado a explorar las limitaciones y aperturas del lenguaje desde el punto de vista de la interrelación social y el entendimiento que tenemos del mundo.