arte de cercanías

A principios de los cincuenta, Robert Ryman  (Nashville, Estados Unidos, 1930-Nueva York, 2019) se encuentra en Nueva York decidido a convertirse en músico de jazz. Era tal su motivación que llegó a tomar clases de improvisación con el célebre pianista Lennie Tristano. No obstante, un día Ryman comenzó a experimentar por su cuenta con pigmentos, telas y pinceles para ver lo que podía sacar de esos materiales. De formación autodidacta, en su determinación de dedicarse por completo a las artes visuales influyó el empleo que en aquellos años consiguió como vigilante en un museo: el Museum of Modern Art.


Un vigilante que lo miraba todo En una entrevista con Robert Storr, que apareció publicada en el número 17 de la revista October (1986), Ryman recordaba esta época en el MoMA: “Yo era muy abierto, aceptaba todo lo que veía. Quiero decir que no rechazaba nada, miraba a cientos de pintores. Claro está que a los gigantes de entonces los miraba más: Matisse, Cézanne, Picasso, etcétera. Pero …

Fanny Sanín (Bogotá, 1938) se formó artísticamente en su Colombia natal y tras algunas estancias en Inglaterra y México recaló definitivamente en Nueva York a principios de los setenta. Es una creadora comprometida con la pintura y los lenguajes abstractos, cuyo trabajo se ubica a continuación de pioneros de su país como Edgar Negret y Ricardo Ramírez Villamizar, y que en el contexto regional se ha mantenido independiente de la vibración cromática y la búsqueda del movimiento que caracteriza a una parte importante de la modernidad latinoamericana.


Del informalismo a la geometría abstracta Su trabajo comprende dos grandes etapas. En la primera, que abarca desde 1962 hasta 1968, se concentra en una pintura de corte informalista con algunas reminiscencias de la abstracción europea que influye en Latinoamérica en aquellos años. Un segundo periodo comienza a gestarse a partir de 1969 y está consagrado a una geometría abstracta que destaca por una policromía de sobrias tonalidades, la pers…

Jean Tinguely fue un artista suizo (Friburgo, 1925 - Berna, 1991) que se ubica en la generación que entre los años cincuenta y sesenta del siglo XX se planteó una alternativa radical, también llamada nuevo realismo, para hacer frente a la abstracción y el arte informalista. La estrategia para conseguirlo fue hacer de la realidad —una realidad en movimiento que se hallaba fuera del mundo del arte y del museo— el centro de su pensamiento. En el caso de Tinguely, este interés se combinó con una versatilidad donde coincidían su condición de artista e intelectual de vanguardia junto con la de una especie de celebrity, controversial y carismático.

Las controversiales máquinas de Tinguely Las obras de Tinguely resultan muy accesibles, incluso para alguien no familiarizado con el arte moderno. Lo primero que destaca en sus realizaciones es el interés en el movimiento, pero no solo en un sentido físico, sino en el carácter alegre y divertido de sus animadas esculturas, como las que presentó e…

A finales de la década del sesenta del siglo XX, surge en Valencia “Antes del arte”, un grupo que se propuso replantear la actividad artística mediante un acercamiento a la ciencia. Para lograr este objetivo sus integrantes estudiaron los postulados de la psicología de la Gestalt, así como las posibilidades estéticas de las matemáticas, la informática y las estructuras de la naturaleza. Tal replanteamiento buscaba llevar la experiencia estética a un estadio previo a esa “individualización de objetos privilegiados” en que había devenido el arte.

La Universitat de València conmemora los cincuenta años de Antes del arte La Universitat de València ofrece una revisión de los fundamentos teóricos que animaron la andadura de este colectivo entre 1968 y 1969, así como su relación con el contexto histórico de aquellos años. Con el título “Antes del arte. Cincuenta años después” han reunido una importante cantidad de las obras que participaron en las tres exposiciones realizadas por el grupo e…

Producto de una marcada reflexión en torno a la abstracción, Jordi Teixidor (Valencia, 1941) sobresale como uno de los máximos exponentes de esta corriente en España. Sus primeros años como artista los dedicó a la exploración de diversos lenguajes y tendencias, algunas de ellas insuficientemente conocidas en su país en aquel entonces. Su madurez artística lo ha encaminado hacia un sobrio equilibrio entre racionalidad y emoción en el tratamiento de la forma geométrica y el color.

La Galería Set Espai d’Art ha organizado una interesante exposición que atiende a la obra de Teixidor desde los diálogos que puede propiciar con artistas de generaciones más recientes. Así, sin el rigor lineal que suele imponer la historia del arte, la muestra titulada “Contemplaciones” crea un estimulante espacio de resonancias por donde fluyen libremente las inquietudes y posibilidades que ofrece la abstracción contemporánea.


Para llevar adelante el proyecto, la curaduría convocó a Ana H. Del Amo, Guillermo…

Jasper Johns (Augusta, Georgia, 1930) es famoso por una pintura donde aparecen una serie de franjas horizontales y un conjunto de estrellas hechos con colores azul, blanco y rojo. La manera como distribuyó esta formas en la superficie del cuadro y el título que le dio, Flag, hicieron inevitable pensar en la bandera de los Estados Unidos. O no.
¿Abstracción o figuración? La ambigüedad generada por esta obra y el momento en que su autor la da a conocer terminó por definir la importancia de Johns en la historia del arte. Por una parte, el claro carácter geométrico de su pintura establecía una distancia, casi que una suerte de punto final, con respecto a la fluida gestualidad del expresionismo abstracto que desde mediados de la década del cuarenta marcaba el protagonismo de Estados Unidos en el arte mundial.

Pero también, al servirse de una imagen tan formalmente precisa y al mismo tiempo tan conocida, se hacía innecesario tener que definirla como abstracta o figurativa, como algo concre…

Si hay algo que no se puede obviar en la fotografía de Richard Avedon (Nueva York, 1923-San Antonio, Texas, 2004) son las soluciones creativas que encontró para distinguir su trabajo. Esto se aprecia sobre todo en el vínculo que como artista mantuvo con el tema predilecto de su obra: el retrato; y es allí, en la relación que entabló con los famosos y desconocidos que posaron para él, donde reside el poder de sus impactantes imágenes.

Hacia una visión más fresca del retrato de moda Su carrera abarca dos grandes facetas. En la primera, como fotógrafo de modas para las revistas Harper's Bazaar y Vogue, Avedon se esforzó en crear piezas que se alejaban de ese halo de fría indiferencia que se suele predominar en estas imágenes y en obtener del retratado un registro más amable, capaz de emocionar al espectador. En sus fotografías, las modelos y celebridades se muestran joviales, saltando y bailando, o en poses o composiciones que desafían la simetría y la estabilidad habitual en el gén…

El little black dress es un concepto referido a una prenda de vestir que la industria de la moda promueve como imprescindible en el fondo de armario de toda mujer, una idea que visualmente se ha convertido en un prototipo publicitario que hoy en día define la imagen aspiracional del cuerpo femenino.

La artista visual y activista Yolanda Domínguez (Madrid, 1977) ha tomado ese término para titular la propuesta que en el marco del Photon Festival 2019 está presentando en el Centre Cultural La Nau. Con ella busca elaborar una crítica a la representación de la mujer que se promueve insistentemente desde el sistema de la moda.


La estrategia de Domínguez consistió en escoger un LBD (sigla fashionista para el little black dress) de la talla 38 europea, entregárselo a mujeres de diferentes orígenes étnicos, dimensiones físicas y edades para que lo usaran y hacerles una fotografía. El resultado ha revelado la falta de correspondencia entre el cuerpo ideal de mujer que suele aparecer en los med…

En los últimos años, Juan Cuéllar (Valencia, 1967) ha estado explorando el mundo contemporáneo a partir de imágenes distópicas de una sociedad que basa su funcionamiento en la domesticación y las actitudes alienantes.

La vía que el artista emplea para destacar esa realidad inevitable es la elaboración de una obra figurativa que en su hiperrealidad revela situaciones inquietantes que pueden surgir de lo cotidiano.

Así se puede apreciar en su exposición más reciente en la Galería Cuatro y que lleva por título “Reloaded”. Allí ha reunido una serie de pinturas de pequeño y mediano formato donde destaca la alta calidad dibujística del artista, pero sobre todo la tensión conceptual entre las escenas perfectamente construidas y la precariedad económica, social y política que subyace como una amenaza en todas ellas.

Con este proyecto, el artista cierra un ciclo de investigación que ha desarrollado a través de las muestras "Hueco" (2016), “Heimlich” (2018) y “Distopía” (2018), con e…

En su reciente exposición, la artista María Ángeles Eslava se vale de la abstracción para elaborar un estudio del entorno: uno rural que remite a su infancia y otro que se nutre de la ciudad. Amalgamados en su propuesta, estos antecedentes confluyen a través de referencias a la geometría, la arquitectura, el objeto de origen industrial y el diseño urbano.

Fernand Léger (1881-1955) es uno de los artistas modernos más importantes del siglo XX. Por una parte, su trayectoria posee la densidad de quien se planteó reconocer desde la pintura las contradicciones que la insurgencia de la vida moderna iba dejando a su paso. Al mismo tiempo, esto lo hizo con una riqueza vital y un optimismo que serían el sustento expresivo de su trabajo.

Estos dos aspectos en la producción del artista son el hilo conductor de la exposición que presenta el Institut Valencià d'Art Modern (IVAM). En ella es posible entender cómo los acelerados cambios sociales y urbanos que ocurrieron en la metrópolis francesa a principios del siglo pasado, no sólo modificaron el inventario de temas que podía ser tratado en la pintura, sino incluso el lenguaje plástico y el espacio pictórico necesarios para hacerlo.

Para este proyecto, que ha sido coproducido por el IVAM y la Tate Liverpool, se han reunido más de cincuenta pinturas, dibujos, libros, diseño de estampados textile…

Espai Rambleta y la marca de cervezas Alhambra han organizado la exposición “Valencia se ilustra”. Allí se reúnen los trabajos de un amplio grupo de ilustradores con los que se quiere descubrir otra visión de las calles, la gente o los elementos arquitectónicos de la ciudad. Todo ello a través de  imágenes que nos invitan a replantear nuestros recorridos y las miradas habituales con que nos relacionamos con Valencia.