arte de cercanías

  La idea para una exposición que aún no se llamaba “The Responsive Eye” fue anunciada en noviembre de 1962. El interés era documentar la evolución del arte perceptual, un camino que se inicia en el impresionismo y llegaría hasta lo que se llamó después el arte óptico. Sin embargo, a medida que avanzaba el proyecto fue tal la proliferación de pinturas y construcciones que en aquel momento empleaban efectos perceptuales que hizo imposible por falta de tiempo y espacio tal visión retrospectiva. Los trabajos iniciales del proyecto a cargo del Museum of Modern Art de Nueva York se basaron en la investigación de George Rickey, quien preparaba un libro titulado Heirs of Constructivism , y en el asesoramiento de la galerista Denise René, quien en 1955 ya había presentado “ Le mouvement ”, una exposición pionera en la historia del arte cinético.  “The Responsive Eye” se inauguró el 23 de febrero de 1965 en el MoMA. El comisariado estuvo a cargo de William C. Seitz, quien era entonces el curado

“Performar la naturaleza” es la primera gran exposición antológica del artista Carlos Bunga (Oporto, Portugal, 1976) en España, un proyecto que brinda la oportunidad de adentrarse en una obra que ha sido considerada por la crítica como compleja y poética. La exposición que ofrece Bombas Gens en Valencia se plantea reflexionar sobre las temporalidades de la naturaleza, sus refugios y sus cualidades vivas y orgánicas. Para ello se vale de una selección de obras representativas del autor que van desde los inicios de su carrera hasta la actualidad. Entre los trabajos, que abarcan diversos medios como dibujo, pintura, collage, vídeo, performance y escultura, se incluyen algunos que nunca se han expuesto hasta ahora. La muestra cuenta, además, con obras especialmente producidas para este proyecto, como una pieza monumental igualmente planteada para esta ocasión. Se trata de un site specific , donde Bunga entiende al espectador como un elemento más de la instalación: su experiencia integra la

Andreu Alfaro asumió un compromiso no solo con los materiales y procesos industriales sino además con una constante búsqueda de la síntesis formal y la recuperación del espacio público como el emplazamiento idóneo de la escultura. Como contraste a estos elementos sustantivos en su trabajo, Alfaro también llevó a cabo una línea de trabajo más íntima en torno a la representación del cuerpo humano que a partir del dibujo extiende sus posibilidades al espacio tridimensional. Sobre esta exploración trata la exposición “El cos humà” que se presenta en la Galería Cuatro, en Valencia. Un cuerpo que emerge poco a poco La línea es un elemento persistente en las esculturas y dibujos de Andreu Alfaro (Valencia, 1929-Rocafort, 2012). A través del doblamiento de la línea, de su flexión, el artista valenciano creó formas que son a veces el esquema o el fragmento de otra forma, de una que alcanza su sentido en la mirada imaginativa del espectador. La naturaleza de la línea en las esculturas de Alfaro,

  Jacqueline de Jong es una pintora y artista gráfica de origen neerlandés que a lo largo de seis décadas ha desarrollado una obra desde la mayor libertad creativa y rebeldía. Su trabajo está marcado por los sucesos de la Segunda Guerra Mundial y por los intentos de cambiar la sociedad y el mundo que alimentaron los sueños y acciones de artistas y pensadores de su generación, constituidos en colectivos como Gruppe SPUR o la Internacional Situacionista. Su producción explora las interacciones humanas desde el deseo, la violencia y el humor, mientras mantiene un compromiso político en sintonía con los conflictos mundiales. Los infortunios de la Guerra De padres judíos, Jacqueline de Jong nació en Hengelo, Países Bajos, el 3 de febrero de 1939. Al año siguiente Holanda es invadida por Alemania y los De Jong tienen que pasar a la clandestinidad. Tras el intento fallido de llegar a Inglaterra la familia se ve obligada a dividirse. El padre permanecerá oculto en Amsterdam por más de un año y

Paola M. Caballero firma  Ciento treinta y siete , un libro de poemas donde el texto, la imagen y el diseño conforman lo que su autora llama "artefactos visuales". Se trata de una obra que se ubica en la tradición de la poesía concreta, una forma de expresión que despoja a la palabra de algunas de sus convenciones narrativas. Aquí la tipografía se revela, el espacio en blanco del folio cobra vida y las ilustraciones aportan emoción al discurso poético.  Paola M. Caballero (Madrid, 1987), también conocida como Mrs. Kintsugi , es una escritora y gestora cultural madrileña afincada en Valencia. Ha sido premiada en el Festival Internacional “Poemágenes” y en el circuito literario “Lettering Catch”. Ciento treinta y siete marca su debut editorial. La palabra como imagen  Ciento treinta y siete (Ediciones Contrabando, 2022) es una colección de poemas donde los elementos plásticos y visuales toman las riendas del texto. Por el valor que tienen la tipografía, la disposición del tex