domingo, 24 de septiembre de 2017

Las imágenes del poder

Alfred Weidinger. Bakary Yerima Bouba Alioum, Lamido de Maroua, Camerún

El Museu Valencià de la Il.lustració i de la Modernitat (MuVIM) está presentando “Las imágenes del poder”, una muestra que a través de 54 fotografías, 25 pinturas, 18 monedas y un vídeo estudia la forma en que ha cambiado la construcción de la simbología asociada al poder. La exposición incorpora imágenes de monarcas africanos contemporáneos, nobles españoles, así como autoridades civiles valencianas del siglo XIX y XX. La propuesta se completa con dos retratos del general Francisco Franco y una exploración del concepto visual del poder a través de los medios de comunicación en la Valencia actual.

miércoles, 20 de septiembre de 2017

Gabriel Moreno. La frágil belleza


En la Antigüedad clásica la belleza se asentaba en la representación del objeto a partir de la justa proporción y medida. Este sentido cobró un nuevo vigor en los tiempos del romanticismo, cuando la presencia afectiva de quien mira se convirtió también en un componente sustancial de lo que era considerado como bello. Será esta comparecencia de los sentimientos y pasiones del artista, aun con sus temores y desesperanza, la que incidirá en el desarrollo del gusto y la complicidad del espectador.

Esta acepción romántica se manifiesta intermitente en la propuesta que Gabriel Moreno (Baena, 1973) presenta en la Galería Pepita Lumier bajo el título “La frágil belleza”. Allí, en un conjunto de dibujos, de mediano y gran formato, ejecutados con grafito, carboncillo y tinta sobre papel, el artista se consagra al estudio del retrato femenino. Las obras, que han sido realizadas recientemente, denotan una mirada que se ve doblegada ante el encanto de lo que el autor define como el objeto sus obsesiones.


Moreno es un ilustrador con una destacada trayectoria en el manejo de las emociones y conceptos que comunica a través de sus reconocidas gráficas publicitarias. Esto le permitió ser incluido en la prestigiosa selección 100 Illustrators, así como firmar la portada del número 4 de la serie Illustration Now!, ambas publicaciones editadas por Taschen. Como artista se ha centrado en el tema de la belleza y la sensualidad femenina a través de una vertiente clásica del dibujo que se expresa en una técnica notable pero también en la búsqueda emotiva a través de la mancha de color.


Las obras de la exposición en Pepita Lumier están resueltas con trazos simples de lápiz o bolígrafo que se extienden en formas más complejas hasta completar una figura femenina casi hiperrealista. Tal logro es contrastado mediante la aplicación de texturas o tatuajes en la piel de la retratada -suerte de body art referenciado- o por otras intervenciones en la superficie del papel. Así la obra alcanza una tensión muy contemporánea entre la sinuosidad que denota la línea y la fuerza que proviene del gesto pictórico.


El prototipo de mujer que surge de esta indagación se ubica dentro de un contexto muy urbano, cuya vigencia no es ajena al ideal de belleza que han promovido tradicionalmente los medios de comunicación social. En este caso, la representación que hace Gabriel Moreno se sensibiliza a partir de “la rudeza de los tatuajes y lo vulnerable de esa figura femenina”, en un doble juego que resulta de la seducción que ejerce el sujeto retratado y la persistencia de quien mira y siente lo que mira.

“Gabriel Moreno. La frágil belleza”. Galería Pepita Lumier. Segorbe, 7. Valencia, España. Del 15 de septiembre al 21 de octubre de 2017.


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lunes, 18 de septiembre de 2017

Pop art

Richard Hamilton
Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?, 1956

Qué es

El arte pop es una corriente originada en Gran Bretaña y Estados Unidos desde mediados de los años cincuenta del siglo XX que surge como reacción al ambiente elitista que predominaba en el mundo del arte y como respuesta a la rica cultura visual del estilo de vida estadounidense. Se inspiraba en las imágenes provenientes de la sociedad de consumo y la cultura popular, tales como historietas, publicidad y objetos de producción masiva. Las técnicas predominantes en estas obras fueron el fotomontaje, el collage y la serigrafía.

Un poco de historia

Se suele mencionar al crítico británico Lawrence Alloway como el primero en emplear el término pop, en 1954, para referirse a la influencia que la publicidad estaba ejerciendo en el arte popular. Si bien la palabra “pop” se incluye en una obra temprana de Eduardo Paolozzi, es un collage de Richard HamiltonJust what is it that makes today's homes so different, so appealing? (1956), el que se considera como la primera obra verdaderamente pop.

Eduardo Paolozzi
I Was a Rich Man's Plaything, 1947

Los antecedentes e influencias de esta corriente se encuentran en Europa en el movimiento Dadá, con figuras como Marcel Duchamp, Kurt Schwitters, Man Ray, Max Ernst y Jean Arp, y en el expresionismo abstracto de Estados Unidos, especialmente en la obra de Willem de Kooning. Otros artistas que actuaron como precursores del grupo a mediados de los cincuenta fueron el mencionado Eduardo Paolozzi en Gran Bretaña, así como Robert Rauschenberg y Jasper Johns en América.

De qué trata

Con un profundo arraigo en la sociedad estadounidense, el arte pop aspira a retratar el entorno y la mentalidad del consumidor. Consecuente con la tendencia contemporánea del arte en su búsqueda de la libertad, el pop no tuvo inconvenientes en incluir lo abyecto y lo vulgar dentro de un canon actualizado de belleza. Fue justamente en esa amplitud donde esta corriente pudo hacer una suerte de arqueología de los nuevos mitos que surgían al calor de la producción de masas.

Fred W. McDarrah. Andy Warhol, 1964 

Bajo este punto de vista, el arte pop podría entenderse como una consecuencia de la Revolución Industrial y de los demás avances en la ciencia y la tecnología que influyeron en la masificación de la producción y el comercio. Tal expansión derivó en el carácter efímero y provisional de los bienes de consumo y en una obsolescencia de la que el arte pop fue un elocuente testimonio. No en vano, Richard Hamilton lo resumió como “popular, pasajero, prescindible, barato, producido en masa, joven, ingenioso, sexy, artificioso, atractivo y muy rentable”.

Nombres a tomar en cuenta

Peter Blake, Jim Dine, Richard Hamilton, David Hockney, Allen Jones, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Andy Warhol, Tom Wesselmann, Robert Indiana, Eduardo Paolozzi.

Lecturas recomendadas

Edward Lucie Smith. “Pop art”. En: Stangos, Nikos (1986). Conceptos de arte moderno. Madrid: Alianza Editorial.

martes, 12 de septiembre de 2017

Anzo. Aislamientos

Aislamiento 14, 1968

En los años sesenta, el contexto de agitación antifranquista que irrumpió en Valencia dio lugar a la creación de grupos como Estampa Popular de Valencia, del que José Iranzo Almonacid -Anzo- (Utiel, 1931-Valencia, 2006) fue miembro fundador. Esta filiación ejerció una gran influencia en el devenir plástico y conceptual de su trabajo, el cual contó con el favor de la crítica durante esta década y la siguiente.

En esta época, España asumía un proceso de modernización cuyo motor económico se centró en el fomento del turismo. Esto implicó una cierta apertura por parte de la dictadura que fue aprovechada por Estampa Popular para filtrar su arte de crítica social. Tal cuestionamiento se orientó también al papel que las mejoras económicas tuvieron en la aparición de un sector industrial, empresarial y de servicios hasta entonces inédito.

Aislamiento 29, 1968

Estos últimos aspectos, en especial su deriva tecnológica, fueron de gran interés para Anzo, quien mediante un hábil manejo de los recursos del arte pop pudo hacer una lectura particular de la sociedad española en su paso hacia la masificación. Despojada de su impronta anglosajona, la corriente del arte pop se hará presente en la obra de Anzo con un sobrio sentido pesimista y existencial que contribuirá a definir en 1967 su innovadora serie Aislamientos.

El  planteamiento de los Aislamientos coloca en una perspectiva crítica el impacto social de la cibernética y sus mecanismos de control, y revela el surgimiento de un individuo alienado e incomunicado en las redes de una estructura tecnocrática. Realizada inicialmente en clave pictórica, pronto la serie hará uso de una imaginería y materiales poco convencionales como el acero pulido, el metacrilato y los circuitos de ordenadores, los cuales se asociaban frecuentemente con un creciente optimismo tecnológico.


Este periodo es estudiado ahora por el IVAM en “Anzo. Aislamientos”, una exposición con la cual el museo valenciano revisa por primera vez de manera individual una parte de la producción de este artista que en los últimos años había caído en un relativo apartamiento. La muestra está conformada por piezas de mediano y gran formato, entre pinturas, estampas y una escultura, realizadas entre 1967 y 1985. El conjunto se acompaña por películas, libros y revistas que ayudan a contextualizar las indagaciones del artista, así como el debate intelectual acerca de la eclosión de los espacios distópicos que son representados o sugeridos en sus obras.

“Anzo. Aislamientos”. Institut Valencià d'Art Modern - IVAM. Guillem de Castro, 118. Valencia, España. Del 29 de junio al 5 de noviembre de 2017. Comisario: J. Ramón Escrivá.


También te puede interesar (enlaces patrocinados):
Catálogos
Varios autores (2009). Memòria d'Anzo. Publicacions de la Universitat de València.

Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana (1998). Anzo. Aislamiento 2000. Ediciones Cimal Arte Internacional.

Literatura
George Orwell (2013). 1984. Contemporánea. Traducción: Miguel Temprano García.

Aldous Huxley (2014). Un mundo feliz. Contemporánea.

Ray Bradbury (2016). Fahrenheit 451. Contemporánea.

Kurt Vonnegut (2017). La pianola. Hermida Editores. Traducción:  José Manuel Álvarez Flórez.



martes, 5 de septiembre de 2017

Robert Frank. Caso de estudio


Si el mundo del arte se divide entre aquellos creadores que se orientan por la búsqueda de la belleza y quienes van en pos de la verdad, el trabajo de Robert Frank (Zúrich, Suiza, 1924) puede ubicarse sin duda entre estos últimos. Esta opción por la verdad no significa necesariamente una relación panfletaria o escandalosa con la realidad. Se trata más bien de una estrategia basada en la práctica de “imperfecciones” a través de la técnica fotográfica que se resuelve en recursos como los desencuadres, desenfoques y fragmentaciones.

Tales recursos actúan como vehículos para un desplazamiento del sentido que va en contra de la narración lineal y unívoca que solía esperarse de una fotografía, especialmente durante el optimismo moderno de los años cincuenta.

Look, London, 1950

Esta desestabilización involucra en cierto modo al espectador en la construcción del significado de la imagen, lo cual le plantea muchas veces despojarse de la supuesta estabilidad de la mirada y de los relatos que inmovilizaban el piso social y político de las convicciones. Porque más allá de la dicotomía entre lo bello y lo verdadero, Frank se empeña en decirnos que la esencia de lo real tal vez sea su constante mutabilidad.

St Rita’s Hospital, Nova Scotia, 1991

Las obras que el IVAM ha reunido para la exposición “Robert Frank. Caso de estudio” dejan ver claramente esta cualidad esencial de su trabajo. Las fotografías, libros y películas pertenecientes a la colección del museo valenciano elaboran convincentemente su perfil como creador y el sentido de la realidad que define su obra.

Es particularmente notorio observar cómo ese carácter inestable de la realidad pasa de una mirada externa como en el caso de The Americans hacia una dimensión interna que tiene que ver con su vida personal y la vejez.

Ese tránsito vital se expresa también en el paso de la fotografía al cine que experimenta y que se explica en la presencia dominante de la imagen como una entidad difícil de asir.

San Francisco, 1956

Tal dificultad ya se anunciaba en el rechazo de la belleza previsible que define The Americans, en especial cuando afirmaba: “trato de no ser visto”, convencido de la alerta y la impostura que una cámara desencadena cuando es detectada en el espacio público.

Aquella obra, publicada en 1959, contribuyó enormemente a cimentar la fama de Robert Frank como figura fundamental dentro de la fotografía y el cine.

Igualmente, ese ir en contra de lo bello como fin primordial de la imagen lo conecta con la crudeza que la fotografía alcanzó durante la postguerra, especialmente con la estética del neorrealismo italiano como una de sus principales influencias.

Este antecedente se manifiesta en la obra de Frank en la preferencia por aspectos descarnados de la realidad, donde la improvisación y el efecto no acabado del instante pueden ser plenamente reveladores de la condición humana.

“Robert Frank. Caso de estudio”. Institut Valencià d’Art Modern, IVAM. Guillem de Castro, 118. Valencia, España. Del hasta el 15 de octubre de 2017. Comisaria: Sandra Moros. 


También te puede interesar (enlaces patrocinados):
Robert Frank y Jack Kerouac (2008). Robert Frank: The Americans. Steidl.

Robert Frank (2015). Robert Frank. Los americanos. La Fábrica.

Jack Kerouac y Robert Frank (2004). Pull My Daisy. Steidl.