Ir al contenido principal

Lee Ufan: maestro del minimalismo coreano

Lee Ufan es un artista excepcional cuya obra ha enriquecido significativamente el panorama del arte contemporáneo. Su minimalismo elegante, impregnado de filosofía oriental, invita a la contemplación y a la reflexión, inspirando a públicos de todo el mundo.


Para comprender mejor a Lee Ufan y su arte, es esencial explorar la profunda influencia de la filosofía oriental en su obra. Su interés en el budismo, el taoísmo y el pensamiento coreano tradicional se manifiesta en la simplicidad, la sutileza y la atención al detalle que caracterizan su trabajo.

Ufan nació el 24 de junio de 1936 en Haman, Corea del Sur. Desde temprana edad, se interesó por el arte y la filosofía oriental, estudiando caligrafía y poesía tradicional coreana. En 1956, se trasladó a Japón para continuar sus estudios, especializándose en filosofía en la Universidad de Nihon.


Movimiento Mono-ha y Minimalismo

En la década de 1960, Ufan se sumergió en el vibrante ambiente artístico de Tokio. Allí, co-fundó el grupo Mono-ha (escuela de objetos), un movimiento artístico vanguardista que enfatizaba la relación entre los objetos, el espacio y la experiencia del espectador. El minimalismo de Ufan se caracteriza por su simplicidad, su uso de materiales naturales y su enfoque en la interacción entre el espectador y la obra.


Obras y filosofía

Las obras de Ufan a menudo incorporan elementos simples como piedras, pinturas monocromáticas y líneas delicadas. Estas obras invitan a la contemplación y a la reflexión, creando una experiencia sensorial única para el espectador. La filosofía de Ufan, profundamente influenciada por el budismo y el taoísmo, se refleja en su arte, el cual explora conceptos como la impermanencia, la transformación y la conexión entre todas las cosas.


Reconocimiento internacional

Ufan ha ganado reconocimiento internacional por su importante contribución al arte contemporáneo. Ha expuesto en las principales galerías y museos del mundo, incluyendo el MoMA de Nueva York, la Tate Modern de Londres y el Centro Pompidou de París. En 1996, recibió el prestigioso Praemium Imperiale de pintura.


Legado

Lee Ufan es considerado uno de los artistas más importantes de Corea del Sur y una figura clave del minimalismo. Su obra ha tenido una profunda influencia en generaciones de artistas y continúa inspirando a nuevos públicos en todo el mundo.


Aspectos destacados de su carrera

  • Cofundador del movimiento Mono-ha (Escuela de Objetos) en Tokio (1960s)
  • Exposiciones individuales en importantes galerías y museos internacionales
  • Ganador del Praemium Imperiale de pintura (1996)
  • Profesor en la Universidad de Arte Tama de Tokio (1973-1980)
  • Miembro de la Academia de las Artes de Berlín (2005)
  • Obras en colecciones permanentes de museos de todo el mundo


Ufan también es un prolífico escritor y teórico del arte. Sus escritos ofrecen valiosas perspectivas sobre su propia obra y sobre el arte contemporáneo en general.


Exposiciones actuales:

"Correspondence. Lee Ufan and Mark Rothko". Del 4 de septiembre al 26 de octubre de 2024. Pace Gallery, Seúl.


También te puede interesar (enlaces patrocinados):

Lee Ufan: Art of Encounter. Lisson Gallery, 2018. 304 páginas. Edición en inglés.


Comentarios

Entradas populares de este blog

Una casa diseñada por Craig Ellwood sucumbe ante una estrella de Hollywood

En un acto que ha generado consternación entre los defensores de la arquitectura y la historia, una casa de mediados del siglo XX diseñada por el renombrado arquitecto estadounidense Craig Ellwood (1922-1992) ha sido demolida para dar paso a una nueva mansión del actor Chris Pratt. La propiedad, ubicada en el exclusivo barrio de Brentwood, era considerada una obra maestra del modernismo californiano y parte del significativo legado del diseño de posguerra. Vista de la casa Zimmerman, diseñada por Craig Ellwood Un ícono del modernismo Craig Ellwood fue una figura destacada del movimiento modernista en California, fiel al estilo limpio, elegante y abierto que integraba sin problemas el interior y el exterior de sus proyectos. La residencia en cuestión, conocida como casa Zimmerman, fue construida en 1958 y ejemplificaba estos postulados de diseño. Con amplias ventanas, techos planos y una conexión fluida con el paisaje circundante, diseño a su vez del arquitecto Garrett Eckbo, la vivien

Jean Tinguely: el maestro de las máquinas cinéticas

 Tinguely fue una figura clave en el arte cinético y el Nouveau Réalisme. Su obra desafió las nociones tradicionales de escultura y abrió nuevas posibilidades para la expresión artística. ML Jean Tinguely nació el 22 de mayo de 1925 en Friburgo, Suiza. Hijo de un industrial chocolatero, desde temprana edad mostró interés por el arte y la mecánica. A los 14 años abandonó sus estudios formales para ingresar a la Escuela de Artes Aplicadas de Basilea, donde se formó bajo la tutela de Julia Ris. Durante esta etapa, Tinguely experimentó con diversas técnicas como la pintura, el dibujo y la escultura tradicional. Primeros años y exploración artística En 1945, al finalizar su formación académica, Tinguely se embarcó en un viaje por Europa y trabajó en diversos oficios, una experiencia que le permitió  absorber las influencias artísticas de los lugares que visitaba. En 1953 se estableció en París, donde se sumergió en la vibrante escena artística de la posguerra. Allí conoció a artistas como N

Nam June Paik: pionero del videoarte y visionario tecnológico

 Nam June Paik, nacido en Seúl, Corea del Sur, el 20 de julio de 1932, fue un artista visionario que trascendió las fronteras tradicionales del arte para convertirse en pionero del videoarte y figura clave en la exploración del potencial creativo de las tecnologías emergentes. Su vida y obra estuvieron marcadas por una constante búsqueda de nuevas formas de expresión artística, desafiando las convenciones y abriendo nuevos caminos para la creación artística en la segunda mitad del siglo XX. Paik pasó su infancia en Corea y Japón, donde recibió una educación musical clásica. En 1950, debido al estallido de la Guerra de Corea, su familia se vio obligada a desplazarse, primero a Hong Kong y luego a Japón. En Tokio, Paik completó sus estudios en la Universidad de Tokio, graduándose en 1956 con una licenciatura en Historia del Arte y Música. Inmersión en el mundo del arte y Fluxus Tras graduarse, Paik se trasladó a Alemania Occidental, donde se sumergió en el vibrante ambiente artístico de

Julio Romero de Torres: social, modernista y sofisticado

Julio Romero de Torres. Mal de amores , hacia 1905. Museo de Bellas Artes de Córdoba En la España de finales del siglo XIX y principios del XX, el pintor Julio Romero de Torres (Córdoba, 1874-1930) es una figura que goza de gran importancia y popularidad. Un artista provisto de una sensibilidad para comunicar desde su mirada la psicología y las implicaciones sociales de sus personajes, predominantemente mujeres. Esto es evidente en las escenas de costumbres de origen andaluz y especialmente en los retratos, suerte de crónica visual de la sociedad de su época. Del pintor cordobés, la Fundación Bancaja ha organizado la antológica "Julio Romero de Torres. Social, modernista y sofisticado", una exposición que reúne cincuenta y cinco obras de gran formato fechadas entre 1895 y 1929. Se trata de la primera individual con estas características que se presenta en Valencia y que busca diferenciarse de otras a través de un concepto curatorial desarrollado en tres vertien

Ramón Gómez Ferrer, el médico de los niños

En los jardines de la Glorieta, muy cerca del Centro Cultural Bancaja, se encuentra un monumento dedicado a una figura de gran admiración y respeto para los valencianos. Se trata de Ramón Gómez Ferrer (Valencia, 1862-1924), médico especialista en el cuidado de los niños, que por la dedicación y generosidad de su labor recibió este homenaje por parte de las madres de la ciudad en 1920. El monumento consiste en una escultura realizada en mármol blanco por el artista Francisco Paredes García (Valencia, 1881-1945), quien representó al ilustre médico sentado en un banco, en un instante en que parece detener su lectura para atender a los niños que juegan a su alrededor. Probablemente, en un primer momento la presencia de aquellos infantes quedaba sugerida por la postura y la dirección de la mirada del médico. Sin embargo, dos décadas más tarde fueron agregados al conjunto las figuras de dos niños en bronce, creados por Paredes García con la asistencia de Luis Bolinches (Alfara de Algimia,

Historias de Bombas Gens

Bombas Gens, factoría dedicada a la producción de bombas hidráulicas que fuera propiedad de Carlos Gens Minguet, se instaló en 1930 en lo que entonces era un entorno de transición entre el campo y la ciudad de Valencia. El proyecto para la sede fue encargado al arquitecto Cayetano Borso di Carminati (Valencia, 1900-1972), quien propuso un discurso moderno y funcional para la distribución de las cinco naves, así como una impronta art decó para el ornamento exterior del conjunto. El edificio, que pasó por diversas etapas luego del cierre de la empresa, sirvió como albergue para personas sin techo y alcanzó un grave estado de abandono hasta su adquisición por la Fundació Per Amor a l’Art. Los nuevos administradores lo han acondicionado para convertirlo en sede de su proyecto cultural, social y de investigación de enfermedades raras. En un gesto de respeto al pasado del inmueble y del manifiesto interés en fomentar el vínculo con el barrio donde está emplazado, el nuevo espacio conserva e