Ir al contenido principal

Luis Gordillo vuelve a Valencia con Fotoalimentación


Portada de la exposición "Luis Gordillo. Fotoalimentación". Centre del Carme
Portada de la exposición "Luis Gordillo. Fotoalimentación". Centre del Carme, Valencia

Han pasado veintiséis años desde que Luis Gordillo (Sevilla, 1934) expusiera en el IVAM de Valencia una retrospectiva centrada en su obra de los ochenta. El artista sevillano vuelve ahora con una propuesta que se remonta a la década anterior, en la que se concentró en una profusa experimentación fotográfica.

El vínculo que su pintura mantiene con la fotografía da pie a “Fotoalimentación”, el sugerente título de la muestra que se ofrece actualmente en el Centre del Carme. Conformada por más de ochenta trabajos, la selección discurre principalmente entre collages fotográficos y pinturas, algunas de fecha reciente.

El estilo artístico de Luis Gordillo

En estas obras de Gordillo, el tratamiento de la imagen está en gran parte enlazado con las avances técnicos que ofrecían la fotografía y la industria gráfica de los setenta. Esta manera de reproducir y multiplicar las imágenes, así como la relación que ha mantenido con el psicoanálisis contribuyeron a definir el estilo artístico que caracteriza esta etapa.

Allí confluyen de manera variable el pop art de los sesenta, el impacto de los mass media y un fuerte componente subjetivo, que por momentos se asoma irracional. Como resultado, se comprueba el rol que la fotografía ha cumplido en el estudio de la gestualidad que constituye el sustento orgánico de su pintura.

Vista de la exposición "Luis Gordillo. Fotoalimentación". Centre del Carme, Valencia
Vista de la exposición "Luis Gordillo. Fotoalimentación". Centre del Carme, Valencia

Una pintura que se alimenta de realidad

En la producción de Luis Gordillo se observa un pendulear entre la efusividad creadora y el rigor racional que se expresa en una serialidad que persigue la ordenación de la libertad. En palabras del artista, su pintura combina “la inmediatez con la reflexión y el análisis para sostener la tensión ineludible entre la figuración y la abstracción”.

Esto le permite elaborar una especie de reconstrucción de la realidad que se evidencia en toda la acumulación de recortes de prensa y fotografía que sostiene su propuesta. Este propósito acumulativo alcanza nuevas cotas de proyección en sus trabajos recientes gracias a la versatilidad de la tecnología digital y las múltiples posibilidades de experimentación que ofrece.

“Luis Gordillo. Fotoalimentación”. Centre del Carme. Del 31 de mayo al 1 de septiembre de 2019. Comisariado: Rosa María Castells. Más información en: consorcimuseus.gva.es


También te puede interesar (enlaces patrocinados):


Comentarios

lo más visto

Ramón Vásquez Brito: lejanías de silencio

  Ramón  Vásquez Brito.  La blancura de su esencia palpita en la soledad , 1996. Hotel Venetur Margarita, Nueva Esparta, Venezuela El pintor Ramón Vásquez Brito (Porlamar, Venezuela, 1927-2012) destaca por su singular aporte a la conformación de una representación de un paisaje de profunda raigambre humanista. La escena marina que se reitera en sus lienzos acoge contenidos que trascienden la inmediatez de la mirada y se adentran en una simbología de emotivos alcances poéticos, originados de una visión memoriosa de la isla de Margarita. Esta obra corresponde a una etapa en la cual el artista ha consolidado un lenguaje propio que favorece la visión sensible del entorno a través de la pintura. Partiendo del paisaje marino, Vásquez Brito se vale de grandes formatos que insinúan el espacio de la costa, el horizonte y el cielo a través de franjas horizontales, donde el tema casi desaparece para convertirse en una realidad trascendente del motivo insular que fue su origen. Vásquez Brito crea

Minimalismo: hacia un arte sin ambigüedades

   Donald Judd.  Sin título , 1980. Tate Modern El minimalismo es una corriente artística surgida en Nueva York, que tuvo especial protagonismo entre 1963 y 1965. En ella predominan las estructuras geométricas en apariencia simples, cuyas formas, usualmente de colores, sobresalen del muro y se integran en el espacio expositivo, ampliando las dimensiones sensibles del espectador. El término, acuñado por el filósofo Richard Wollheim en 1965, no gozó de la total aceptación de los artistas adeptos a esta corriente, quienes lo encontraron demasiado asociado a un arte simplista o sin contenido. Parte de la crítica y el público también calificó las obras como frías y, en general, alejadas de lo que podía considerarse arte en ese momento. No obstante, la ampliación de las fronteras del arte luego de la segunda mitad del siglo XX hizo posible encontrar experiencias estéticas trascendentes en la manera diáfana y sin ambigüedades de tratar los materiales y disponer las formas geométricas. Pero lo

Marisol Escobar, el pop más humano

Marisol Escobar fue una escultora estadounidense de origen venezolano, quien hizo de la madera su principal material de trabajo. Su obra se desarrolló principalmente en Nueva York, en particular desde los años sesenta, por lo que su estilo frecuentemente es asociado con el pop art. Sin embargo, en su trabajo sobresalen aspectos ligados a la representación del cuerpo que a veces posee rasgos autobiográficos y otras una elocuente dimensión subjetiva de los personajes que representó. Marisol , 1969. Foto:  Jack Mitchell Ciertamente se pueden identificar influencias de  Jasper Johns  y  Robert Rauschenberg , en especial en la incorporación de partes del cuerpo humano hechos en plástico o resina, así como otros objetos encontrados, como elementos que la artista usa en algunos ensamblajes. Marisol.  La Virgen, el Niño, santa Ana y san Juan , 1978.  Galería de Arte Nacional, Caracas Sin embargo, Marisol (París, 1930-Nueva York, 2016) no podría ser catalogada como un referente clásico del pop