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Antes del Arte, cuando el arte contemporáneo se miró en el espejo de la ciencia

José María Yturralde. Estructura cinética, 1967

A finales de la década del sesenta surgió en Valencia un grupo que se propuso poner al día las artes visuales en España. El nombre que escogieron, Antes del Arte, anunciaba la manera en que operarían. Organizado y promovido por el crítico Vicente Aguilera Cerni, el colectivo contó con artistas como Joaquín Michavila, Eusebio Sempere, Francisco Sobrino y José María Yturralde, además de músicos como Tomás Marco y Francisco Llácer, entre otros.

Aguilera Cerni era un defensor del enfoque racional del hecho artístico y además rechazaba el carácter imitativo, individualista y arbitrario que encontraba en gran parte del arte convencional. Adoptando estas premisas, los artistas congregados en Antes del Arte prescindieron del aparataje que llamaban “la cultura artística” y se plantearon empezar desde cero. La idea era llevar la experiencia estética a un estadio previo a esa “individualización de objetos privilegiados” en que para ellos había devenido el arte.

Eusebio Sempere. Ley de la buena forma, 1968. Museo Reina Sofía

Para acceder a ese estadio rescataron el antiguo vínculo entre arte y ciencia, que les parecía el más pertinente y necesario para el acontecer contemporáneo. El problema, como afirmaban, era que mientras “la ciencia y la técnica volaban en raudos reactores”, el arte iba en diligencia. Para allanar esta brecha los integrantes de Antes del Arte se dedicaron a  investigar los postulados de la psicología de la Gestalt o las posibilidades estéticas que ofrecían las matemáticas o las estructuras de la naturaleza.

Portada del catálogo de la primera exposición de Antes del Arte, abril 1968

Obras como Ley de la buena forma de Eusebio Sempere, Macla de compenetración de la fluorita de Jordi Teixidor, Primera figura imposible de Yturralde o el Helicoidal de Joaquín Michavila, testimonian los postulados del grupo en cuanto a las posibilidades estructurales de la naturaleza, así como el replanteamiento estético de ilusiones ópticas como la espiral de Fraser o el triángulo de Penrose.

“Antes del arte” presentó tres exposiciones organizadas por Vicente Aguilera Cerni en Valencia, Madrid y Barcelona, entre 1968 y 1969. Luego de ese período el grupo siguió con otros proyectos y algunos de sus miembros exploraron incluso otras facetas artísticas. Sin embargo, la apuesta que hicieron por revitalizar el arte abstracto en España sigue siendo de especial significación en el contexto de aquellos años.

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Jasper Johns, otras maneras de mirar lo conocido

Jasper Johns (Augusta, Georgia, 1930) es famoso por una pintura donde aparecen una serie de franjas horizontales y un conjunto de estrellas hechos con colores azul, blanco y rojo. La manera como distribuyó esta formas en la superficie del cuadro y el título que le dio, Flag, hicieron inevitable pensar en la bandera de los Estados Unidos. O no.
¿Abstracción o figuración? La ambigüedad generada por esta obra y el momento en que su autor la da a conocer terminó por definir la importancia de Johns en la historia del arte. Por una parte, el claro carácter geométrico de su pintura establecía una distancia, casi que una suerte de punto final, con respecto a la fluida gestualidad del expresionismo abstracto que desde mediados de la década del cuarenta marcaba el protagonismo de Estados Unidos en el arte mundial.

Pero también, al servirse de una imagen tan formalmente precisa y al mismo tiempo tan conocida, se hacía innecesario tener que definirla como abstracta o figurativa, como algo concre…

El pintor venezolano Hugo Baptista

El pintor Hugo Baptista (La Grita, Venezuela, 1935) forma parte de una generación de artistas venezolanos que entre las décadas del cincuenta y sesenta se mueve en varias vertientes de estilo: una que sigue la senda de la nueva figuración, otra que explora el arte informal y la que persiste en la abstracción geométrica.

En el caso de Baptista, su primera propuesta notable de trabajo se produce entre estas décadas y en ella se observa una predisposición hacia una abstracción lírica basada principalmente en el color, impregnada de un sentido poético que mucho debe a los grupos artísticos y literarios a los que estuvo siempre ligado.

La influencia literaria Esta filiación a intelectuales y creadores de otras áreas de la cultura debe mucho también a la actualización estética que tiene lugar en su país y que hará posible un cruce de ideas entre distintas prácticas. En una entrevista hizo ver la importancia que habían tenido estas agrupaciones en lo que él llamó su formación bohemia: “Ya no…

Marisol, una vertiente humana del pop art

Marisol Escobar fue una escultora de origen venezolano, quien hizo de la madera su principal material de trabajo. Su obra se desarrolló principalmente en Nueva York, en particular desde los años sesenta, por lo que su estilo frecuentemente es asociado con el pop art.

Ciertamente se pueden identificar influencias de Jasper Johns y Robert Rauschenberg, en especial en la incorporación de partes del cuerpo humano hechos en plástico o resina, así como otros objetos encontrados, como elementos que la artista usa en algunos ensamblajes.


Sin embargo, Marisol (París, 1930-Nueva York, 2016) no podría ser catalogada como un referente clásico del pop art, en parte por otras influencias que su figurativismo deja entrever. Así, algunos críticos han encontrado ciertas referencias al surrealismo, el arte popular estadounidense, el nuevo realismo, esculturas precolombinas e incluso al arte popular venezolano. Lo cierto es que todas esas posibles influencias derivan en el carácter y magnetismo tan fue…